Andy Vella gestaltete die visuelle Welt von The Cure für ihr erstes Album seit 16 Jahren neu (Interview)

Nach einer 16-jährigen Pause wurde das Comeback-Album von The Cure weithin gefeiert; Vella, der Designer der Band seit über 40 Jahren, musste eine neue Ära markieren, ohne die visuelle Kontinuität der Band zu brechen.

Eine Skulptur von 1975 im schwarzen Raum als Cover schweben lassen und dann das Album verstecken: Buchstaben nur unter UV-Licht, Tinte, die beim Erhitzen den Kopf enthüllt, Projektionen auf Türmen.

Ein neues, verwittertes Serifen-Wortzeichen „Cureation“; die Bagatelle-Skulptur, mit Ben Parker für die Website und Lyric-Videos in Bewegung neu geschaffen; limitiertes Vinyl mit thermografischer Tinte; Bio-Vinyl und Öko-Merchandise; Teaser-Displays mit unter UV-Licht verborgenen Buchstaben und ein Poster vor dem Crawley-Pub des ersten Auftritts der Band.

Das Album wurde „weithin gefeiert“; innerhalb einer Woche, nachdem das Crawley-Poster aufgehängt worden war, schlug jemand dessen Glasvitrine ein, um es zu stehlen, und anamorphe Projektionen der Skulptur liefen weltweit auf Gebäuden, darunter der Blackpool Tower.

In einem am 4. November 2024 veröffentlichten Interview mit Creative Review erläuterte der Grafikdesigner Andy Vella — seit über 40 Jahren Mitarbeiter von The Cure — das Artwork für Songs of a Lost World, das erste Studioalbum der Band seit 16 Jahren. Wie bei jedem Cure-Album schuf Vella ein neues Wortzeichen: „Cureation“, eine verwitterte, taktile Serifenschrift, die er nach dem Hören neuer Musik auf der Tour der Band 2022 entwarf und die er und Robert Smith übereinstimmend als „eine dunkle Sophistication“ mit „etwas Verspieltheit in der Typografie“ beschrieben.

Für das Cover schlug Smith Janez Pirnats Skulptur Bagatelle von 1975 vor; Vella stellte sie sich „im Raum schwebend vor, fast wie ein fernes Relikt aus einer vergessenen Zeit“. Dann bewegte sich die Skulptur: Vella arbeitete mit seinem Kollegen Ben Parker zusammen, um sie auf der Album-Website und in Lyric-Videos zu animieren, und anamorphe Projektionen von ihr liefen auf Gebäuden in aller Welt, darunter der Blackpool Tower in Smiths Heimatstadt. Die Formate reichten von digital über Kassette bis zu einer limitierten Auflage in thermografischer Tinte — der Kopf der Skulptur erscheint beim Erhitzen — auf Bio-Vinyl mit „Öko-Merchandise“.

Die Teaser versteckten das Album vor aller Augen: Außenanzeigen in Städten weltweit zeigten das Veröffentlichungsdatum und die Initialen des Titels, wobei die übrigen Buchstaben nur unter UV-Licht sichtbar waren, und ein typografisches Poster stand vor dem Pub The Railway in Crawley, wo die Band ihren ersten Auftritt hatte. „Innerhalb einer Woche, nachdem das Poster aufgehängt worden war, hatte jemand die Glasvitrine, die das Poster enthielt, eingeschlagen, um es zu klauen!“, sagte Vella. Er erinnerte sich, dass Fans kommentierten, das Album „sieht auch wie klassischer Cure aus, was einfach immens ist“.

Jede Cure-Ära wird durch ihr Wortzeichen definiert, sodass die Album-Identität die Last trug, die Rückkehr der Band nach 16 Jahren anzukündigen.

Die Verhüllung erledigte das Marketing: unter UV-Licht verborgene Buchstaben und durch Hitze enthüllte Tinte gaben den Fans etwas, das sie vor der Veröffentlichung entdecken und teilen konnten.

Die Orte und Objekte wurden wegen ihrer Biografie gewählt — der Pub des ersten Auftritts, der Turm in Smiths Heimatstadt — und verwandelten die Platzierung in Erzählung.

Die Comeback-Kunst einer Traditionsband funktioniert durch Kontinuität plus eine verborgene Ebene — lass die Fans das Design entdecken, und die Entdeckung wird zur Kampagne.

Songs of a Lost World wurde weithin gefeiert und als „kraftvoll, von einer dunklen Schönheit erfüllt und häufig bewegend“ gelobt; Vella sagte, die Resonanz habe „definitiv enorm widerhallt“ und die Platte gehe in Klang und Aussehen als klassischer Cure in die Geschichte ein.